David Lynch’s Leben
Davids Eltern
Lynchs Eltern Edwina Lynch, geborene Sundholm, und Donald Walton Lynch haben sich während ihres Studiums an der Duke University in North Carolina kennen und lieben gelernt. Der Vater, der auf einer Farm im Nordwesten der USA aufgewachsen ist, arbeitete als Agrarwissenschaftler für das US-Landwirtschaftsministerium. Die aus Brooklyn stammende Mutter gab zunächst Sprachunterricht und widmete sich später ganz dem Familienleben.
Wanderleben und unbeschwerte Kindheit
David Keith Lynch wurde am 20. Januar 1946 in Missoula, Montana, geboren. Zwei Monate später zog die Familie nach Sandpoint, einer Stadt im Bundesstaat Idaho. Aufgrund seiner Arbeit war Lynchs Vater oft gezwungen, sich zu bewegen, weshalb David frühzeitig mit einem Wanderleben bekannt wurde. Nachdem Davids Bruder John in Sandpoint geboren wurde, zog die Familie erneut um, diesmal nach Spokane, Washington. Dort wurde seine Schwester Martha geboren. Wieder zogen die Lynches nach Durham in North Carolina. Schließlich ließen sie sich für einen längeren Zeitraum in Boise nieder, wo David die gleiche Schule von der dritten bis zur achten Klasse besuchen konnte. Er wurde presbyterianisch erzogen. Zu dieser Zeit spielte Wait till the sun shines, Nellie (1952) von Henry King in den Kinos – dies ist der erste Film, an den sich David erinnern kann.
In einer Retrospektive, so Lynch, habe er eine unbeschwerte Kindheit gehabt und sei in einer friedlichen Umgebung gut geschützt aufgewachsen: „[Meine Jugend] war eine Traumwelt, diese dröhnenden Flugzeuge, der blaue Himmel, Lattenzäune, grünes Gras, Kirschbäume. Mittelamerika, wie es sein sollte. Aber dann würde auf dem Kirschbaum dieses Pech austreten, ein Teil davon schwarz, ein Teil gelb, und Millionen und Abermillionen roter Ameisen rasten über das klebrige Pech, über den ganzen Baum. Du siehst also, da ist diese wunderschöne Welt und du schaust nur ein bisschen genauer hin und da sind alles rote Ameisen. “
Enge Beziehung zur Natur
Als Junge baute David aufgrund des Berufs seines Vaters eine besondere Beziehung zur Natur auf. Sein Vater experimentierte häufig mit Insekten und Baumkrankheiten. Riesige Wälder standen ihm als Versuchsfläche zur Verfügung. In der Folge kam David in einer organischen Welt mit Wachstum, Krankheiten und Insekten in Kontakt. Es war nicht ungewöhnlich, dass Lynch gelegentlich Frösche oder Mäuse sezierte. Diese Erfahrungen spiegeln sich deutlich in Davids späterer Arbeit wider.
Liebe zum Malen, Die Kunst des Geistes und Fernweh
1960 ließ sich die Familie schließlich in Alexandria, Virginia, nieder. Hier entdeckte der 14-jährige David erstmals seine Liebe zum Malen. Obwohl sein bayerischer Onkel aus München seinen Lebensunterhalt als Maler verdiente, sah Lynch darin keine vielversprechende Zukunft. Dies änderte sich jedoch, als Lynch den Vater seines Schulkameraden Toby Bushnell Keeler traf, der ein professioneller Maler war. Er bot Lynch an, ein Zimmer in seinem Studio in Georgetown zu mieten, wo er sich kreativ austoben konnte. Darüber hinaus pendelte Lynch an Wochenenden nach Washington DC, wo er Kurse an der Corcoran School of Art belegte. Dort kreuzte ein Buch mit dem Titel The Art of Spirit von Robert Henri seinen Weg und war entscheidend, damit Lynch endlich dem Traum nachgeben konnte, ein Künstler zu sein. Das Buch, das die Regeln für das Leben eines Künstlers enthielt, wurde zu seiner Bibel.
Nach dem Abitur im Jahr 1964 beschloss Lynch, an der Schule des Museum of Fine Arts, einer privaten Kunsthochschule in Boston, zu studieren. Doch dieser Eifer hielt nur kurz an. Bereits nach einem Jahr brach er das Training wegen mangelnder Inspiration und der Gesellschaft der „falschen“ Klassenkameraden ab. Zusammen mit seinem Freund Jack Fisk, der Lynchs Leidenschaft für das Malen lange Zeit geteilt hatte, zog David nach Salzburg, wo sich die beiden an der Sommerakademie von Oskar Kokoschka einschrieben. Beide empfanden die Stadt jedoch als zu „sauber“, weshalb Paris bald ihre neue Heimat wurde. Mit Fernweh im Blut reisten sie mit dem Orient-Express weiter nach Athen. Dennoch war diese Stadt nicht ganz das, was Lynch erwartet hatte: „Ich erinnere mich, dass ich in Athen in einem Keller gelegen hatte und Echsen die Mauern hoch und runter krochen. Ich überlegte, wie weit ich von McDonalds entfernt war. Und ich habe es wirklich vermisst. Ich habe Amerika vermisst. Ich wusste, dass ich Amerikaner bin und ich wollte dort sein. “
Rückkehr in die USA und erste Kunstfilme
Zurück in den USA musste Lynch mit einer Vielzahl von Teilzeitjobs über Wasser bleiben, da er nicht auf die finanzielle Unterstützung seiner Eltern zählen konnte. Er arbeitete unter anderem im Architekturbüro des Onkels seines Freundes, dann in einem Frame Shop, wo er später Hausmeister wurde. Trotzdem konnte er das Malen nicht loslassen. Er beschloss, das Studium wieder aufzunehmen und schrieb sich an der Pennsylvania Academy of Fine Arts in Philadelphia ein, wo er zwei Jahre lang studierte. Er blieb bis 1970 in Philadelphia.
1967 heiratete Lynch Margeret Reavey, kurz Peggy, die am 7. April 1968 ihre Tochter Jennifer Lynch zur Welt brachte. Die kleine Familie bezog ein kleines Haus, das Lynch für 3.500 Dollar gekauft hatte. Ihr neues Zuhause befand sich in einer heruntergekommenen, armen und unsicheren Gegend.
Mit der Zeit wurde David bewusst, dass ihm in der Malerei zwei wesentliche Elemente fehlten: Klang und Bewegung. Inspiriert von dieser Erkenntnis schuf er 1967 und 1968 seine ersten Filmversuche mit dem Titel Six Men Getting Sick und The Alphabet. Anschließend erhielt er ein mit 5.000 US-Dollar dotiertes Stipendium des American Film Institute, das ihm dies ermöglichte verwirkliche seinen halbstündigen Film The Grandmother. Der Film wurde zu einem großen Erfolg, nachdem er auf verschiedenen Filmfestivals gezeigt wurde, und war Lynchs Eintrittskarte für das neue Center for Advanced Film Studies in Los Angeles. Daraufhin zog Lynch 1970 nach Los Angeles, was den Beginn seiner eigentlichen künstlerischen Karriere einleitete und wo er bis heute lebt.
Im Juli 2005 wurde die David Lynch-Stiftung für bewusstseinsbasierte Bildung und Weltfrieden ins Leben gerufen. Siese widmet sich der Bewusstseinsbildung, beispielsweise durch transzendentale Meditation usw. Zuvor hatte Lynch 1992 die Produktionsfirma Asymmetrical Productions gegründet .
1974 ließ er sich von seiner ersten Frau Peggy scheiden. Drei Jahre später heiratete Lynch die Schwester seines Freundes Jack Fisk, Mary. Die Ehe endete 1987 und brachte einen Sohn namens Austin hervor. Danach lebte Lynch bis 1990 in einer Beziehung mit der Schauspielerin Isabella Rossellini. 2006 nahm er seine langjährige Produzentin und Filmemacherin Mary Sweeney zur Frau, von der er sich einen Monat später scheiden ließ. Diese Beziehung brachte seinen Sohn Riley hervor. 2009 ging er eine Ehe mit der Schauspielerin Emily Stofle ein, mit der er seine zweite Tochter Lula Boginia bekam.
Künstlerische Karriere
Die Anfänge
Während seiner Studienzeit an der Pennsylvania Academy of Fine Arts schuf David seine ersten düsteren Gemälde und Zeichnungen. Breite, große und dunkle Kunstwerke wie The Bride, die Selbstabtreibung im abstrakten Stil thematisieren, ersetzten seine farbenfrohen und lebendigen Bilder, die er schuf. Weitere Action Paintings folgten. Sie bestanden lediglich aus schwarzer Farbe, die auf die Leinwand gespritzt wurde und zu der Lynch nur eckige Formen hinzufügte.
Als er eines Tages eines seiner Werke mit einer Figur in der Mitte betrachtete, hörte er Atem und eine kleine Bewegung. Dies war der entscheidende Moment, als er beschloss, mit seinen Filmexperimenten zu beginnen. Da Lynch zu dieser Zeit nicht viel über Filme wusste, besorgte er sich eine 16-mm-Kamera und befolgte verschiedene Anweisungen. So erhielt er 1967 mit Six Men Getting Sick, einem quasi animierten Gemälde mit Polizeisirenen, den ersten Preis der Akademie. Die Arbeit brachte ihm auch seinen ersten Sponsor namens H. Barton Wasserman ein. Mit finanzieller Hilfe und teilweiser Unterstützung seiner Eltern entstand der 4-minütige Kurzfilm The Alphabet (1968), in dem seine frühere Frau Peggy die Hauptrolle spielt.
The Alphabet brachte Lynch ein Stipendium in Höhe von 5.000 Dollar für das American Film Institute ein, mit dem er seinen vierunddreißigminütigen Film The Grandmother (1970) realisierte. Dafür hat er den gesamten dritten Stock seines Hauses in schwarzer Farbe gestrichen. Bis Blue Velvet (1986) arbeitete er mit dem Sounddesigner Alan Splet zusammen. Das Projekt stieß auf sehr gute Resonanz, wurde bei den Kurzfilmtagen in Oberhausen und auf Festivals in San Francisco und Atlanta vorgestellt. Darüber hinaus wurde Lynch dafür mit dem Critics ‘Choice Movie Award ausgezeichnet.
Filmstudium und erster Spielfilm
Tony Vellani war überglücklich mit The Grandmother und ermutigte Lynch, eine Bewerbung beim neuen Center for Advanced Film Studies in Los Angeles einzureichen. Der junge Lynch tat das 1970 und wurde angenommen.
Lynch liebte das Lernen. Besonders begeistert zeigte er sich vom praktischen Teil. Von den theoretischen Fächern mochte er die Filmanalyse von Frantisek Daniel am meisten. Zu seinen Klassenkameraden gehörten Tim Hunter, Jeremy Kagan und Terrence Malick. Co-Student Caleb Deschanel machte Lynch auf einen Produzenten von 20th Century-Fox aufmerksam, der sich für das von Lynch bereits realisierte Gardenback-Filmprojekt interessierte. Der Produzent war bereit, 50.000 US-Dollar für das Projekt zu zahlen, vorausgesetzt, es würde zu einem regulären Spielfilm ausgebaut. Lynch konnte sich mit dieser Idee überhaupt nicht anfreunden und lehnte den Vorschlag nach mehreren vergeblichen Bearbeitungsversuchen ab. Nachdem Lynch seine anfängliche Begeisterung für seine Ehebruch-Horrorgeschichte verloren hatte, entschloss er sich, sein Projekt Eraserhead (1977) in Schwarz-Weiß und 35mm zu realisieren. Das Projekt erhielt grünes Licht und Lynch erhielt ein Budget von 10.000 Dollar.
Die Vorbereitungen für die Dreharbeiten begannen 1972. Lynch wollte das Dekor, die Produktion, den Schnitt und die Musik selbst machen. Die Dreharbeiten sollten in etwa sechs Wochen dauern, aber selbst nach einem Jahr war das Filmteam noch nicht fertig. Da die ursprüngliche Frist längst überfällig war, wurde beschlossen, keine weiteren Zuschüsse an Lynch mehr zu gewähren. Nach einer einjährigen Pause wurde die Produktion im Mai 1974 wieder aufgenommen. Das Geld stammte von Lynchs Freunden und Familie. Nach vierjähriger Arbeit wurde der Film schließlich im Sommer 1976 fertiggestellt.
Nachdem die 108-minütige Originalfassung von Eraserhead, die am 19. März 1977 beim Los Angeles Film Festival Filmx uraufgeführt wurde, beim Publikum auf Langeweile stieß, verkürzte Lynch sie auf 89 Minuten. Ben Bahrenholz, ein in New York ansässiger unabhängiger Filmverleiher, der für seine Mitternachtsauftritte in Off-Cinemas bekannt ist, wurde auf den Film aufmerksam und nahm ihn in das Programm auf. Eraserhead wurde ein Geheimtipp und wurde bis 1982 in 17 US-Städten gespielt. Die Kritiken waren überwiegend positiv und ließen ihn in die Tradition des Surrealismus und Expressionismus eintauchen. Eraserhead gilt heute als Kultfilm und bedeutete für Lynch den künstlerischen Durchbruch.
Durchbruch und Erfolg
Nach diesem großen Erfolg führte Lynch sein Projekt unter dem Titel Ronnie Rocket weiter, aber die Filmstudios zeigten kein Interesse dafür. Gleichzeitig suchte Stuart Cornfeld nach geeigneten Projekten für die neu gegründete Produktionsfirma Brooksfilms. Er war begeistert von Eraserhead und schlug Lynch vor, The Elephant Man von Eric Bergren und Christopher De Vore umzusetzen. Lynch stimmte zu und sah darin den perfekten Einstieg in den Mainstream. Die Dreharbeiten fanden von 1979 bis 1980 mit einem Budget von 5 Millionen US-Dollar statt. Der Film wurde für acht Oscars nominiert und brachte fünfmal so hohe Gewinne wie die Produktionskosten.
Der enorme Erfolg von The Elephant Man hat Lynch in vielerlei Hinsicht den Weg geebnet.
Francis Ford Coppola bot an, Ronnie Rocket zu produzieren. George Lucas wollte Lynch für The Return of the Jedi Knights und Dino De Laurentiis für die Adaption des Science-Fiction-Romans Dune engagieren. Schließlich akzeptierte Lynch den Vorschlag, Dune von De Laurentiis zu leiten zu lassen. Darüber hinaus unterzeichneten beide einen Vertrag für vier weitere Filme: Ronnie Rocket, Blue Velvet, Dune II und Dune III.
Die Dreharbeiten zu Dune dauerten von März 1983 bis Anfang Januar 1984. Dies war Lynchs erster Film in Farbe. Da die Produzenten die Rechte am Final Cut nicht gesichert hatten, griffen sie zu viel ein, was dazu führte, dass die Kritiker sarkastisch auf bösartige Reaktionen auf das Wüstenepos reagierten. Jetzt ging es nicht nur um Lynchs bisheriges Image als außergewöhnlicher Regisseur, sondern auch um die geplante Vorproduktion von Blue Velvet. Letzteres wurde jedoch irgendwann realisiert: Lynch bezahlte die künstlerische Kontrolle, die ihm in diesem Film überlassen wurde, mit einer Reduzierung seines Gehalts und seines Budgets. Die Dreharbeiten fanden zwischen Februar 1986 und April 1986 statt. Grundsätzlich erhielt Blue Velvet positive Kritiken, löste aber auch Kontroversen und Diskussionen über die Darstellung der Frau aus. Trotz des fehlenden Publikums wurde Blue Velvet ein Kultfilm und stellte Lynchs Ruf als Regisseur wieder her.
Während der Dreharbeiten zu Blue Velvet Lynch lernte auch Isabella Rossellini kennen, mit der er bis 1990 zusammen blieb. Er kehrte zum Malen und Zeichnen zurück und stellte seine Kunst zwischen 1987 und 1989 in den Roger La Pelle Galleries in Philadelphia, der Leo Castelli Gallery in Philadelphia, aus New York und die James Corcoran Gallery in Los Angeles. Darüber hinaus entwarf er 1987 die Statuette für den Rossellini Award und veröffentlichte ab 1983 den wöchentlichen Comic The Angriest Dog in the World im Los Angeles Reader sowie in anderen Zeitungen. 1987 wurde Lynch von einem französischen Produzenten gefragt, ob er einen Kurzfilm über “Frankreich aus der Perspektive von …” drehen möchte. Aus diesem Auftrag resultierte der 23-minütige Film The Cowboy and the Frenchmen, der 1988 veröffentlicht wurde.
1986 lernte David Lynch den Drehbuchautor Mark Frost kennen, mit dem er sich auf Anhieb perfekt verstand und Drehbücher wie One Saliva Bubble (1987) oder The Goddess (1987) mitschrieb. Sie arbeiteten auch an der Fernsehserie The Lemurians mit. Danach begannen beide damit, ein neues Drehbuch zu schreiben – Northwest Passage, das später in Twin Peaks umbenannt wurde. Das Drehbuch für den Pilotfilm wurde innerhalb von 10 Tagen verfasst und vom Fernsehsender ABC produziert. Sie landeten einen Treffer damit. Nach diesem Hoch wurden David Lynch und Mark Frost 1990 von ABC mit der Produktion einer weiteren Staffel betraut, die 1991 wegen mangelnder Zuschauerzahlen eingestellt wurde.
Nach dem vorübergehenden Ende von Twin Peaks entwickelte Lynch zwei weitere Serien: On the Air (1992) und Hotel Room (1993). Während Ersteres nach der dritten Folge wegen schlechter Bewertungen und Kritiken eingestellt wurde, wurde Letzteres im Januar 1993 vom Kabelsender HBO ausgestrahlt.
Parallel zu Twin Peaks hatte Lynch mit Barry Gifford zusammengearbeitet und seinen Roman Wild at Heart mit Laura Dern und Nicholas Cage in den Hauptrollen gedreht. Der Roadmovie wurde beim Internationalen Filmfestival im Mai 1990 mit der Goldenen Palme ausgezeichnet.
Rückschlag und Krise
Im September 1991 begannen und im November 1991 endeten die Dreharbeiten zu Twin Peaks. Doch bei den Filmfestspielen von Cannes 1992 wurde der Film vom Publikum ausgebuht und stieß auch bei den Kritikern auf Ablehnung. Auf der Pressekonferenz in Cannes gab Lynch zu, Twin Peaks in den Sand gesetzt zu haben. Seitdem gilt er in der Filmbranche als „Risikofaktor“. Ihm wurde nicht mehr vertraut, um größere Projekte zu leiten. Dies führte Lynch in eine kreative Krise.
Aus finanziellen Gründen drehte er 1992 und 1994 zahlreiche Werbespots für Armani, Adidas, Jil Sander, Karl Lagerfeld, Calvin Klein oder Yves Saint Laurent und arbeitete auch als Maler. In der Zwischenzeit produzierte er zusammen mit Angelo Badalamenti ein Album mit dem Titel The Voice of Love von Julee Cruise und anlässlich des 100. Jahrestages der Erfindung des Kinematographen durch die Brüder Lumière einen 52-sekündigen Kurzfilm Premonitions Following An Evil Dead.
In den Jahren 1994 und 1995 suchte Lynch Sponsoren für die Komödie Dream of the Bovine, für die er das Drehbuch mit Robert Engels verfasst hatte, jedoch ohne Erfolg.
Rückkehr ins Kino
Während der Lektüre des Romans Night People von Barry Gifford blieb „lost highway“, ein Satz aus dem Buch, bei Lynch hängen. Er schlug Barry vor, gemeinsam ein Drehbuch zu schreiben. Es wurde im März 1995 fertiggestellt und sofort von Ciby2000 angenommen, so dass die Dreharbeiten im Herbst desselben Jahres mit einem Produktionsbudget von 15 Mio. USD begannen. Der Film wurde im Januar 1997 in Paris uraufgeführt und erhielt überwiegend positive Kritiken. Die Literaturnobelpreisträgerin Elfriede Jelinek und Olga Neuwirth bearbeiteten Lost Highway später zu einer Oper, deren Uraufführung im Oktober 2003 in Graz stattfand.
Zwei Jahre später veröffentlichte Lynch The Straight Story (1999), für die seine damalige Lebenspartnerin Mary Sweeney das Drehbuch schrieb. Das Projekt wurde von The Picture Factory produziert, einer Produktionsfirma, die 1997 von Lynch, Neal Edelstein und Sweeney gegründet wurde. Insgesamt wurde der Film positiv aufgenommen, überraschte aber sowohl Publikum als auch Kritiker mit dem Fehlen von Gewaltszenen sowie Szenen mit unlösbaren Rätseln. In einigen Kritiken wird dieser Film als das erste “erwachsene” Werk von Lynch angesehen.
Anfang 1999 begann Lynch für den Sender ABC an der Fernsehserie Mulholland Drive zu arbeiten. Nachdem das Projekt zunächst beiseite gelegt worden war, erweiterte Lynch es später in den Film Mulholland Drive. Für diese Leistung erhielt er 2001 den Regiepreis bei den Filmfestspielen von Cannes.
1998 wandte er sich wieder der Musik zu und produzierte mit der Sängerin Jocelyn Montgomery das Album Lux Viviens (Living Light), das auf den Liedern von St. Hildegard von Bingen basiert. 2011 brachte er zusammen mit John Neff das experimentelle Rockalbum Blue Bob heraus.
Experimentalfilm, Online-Arbeit und Musik
Ende 2001 ging Lynchs eigene Website davidlynch.com online. Ab diesem Zeitpunkt veröffentlichte er einige seiner Werke im Internet, darunter die animierte Kurzserie Dumb Land sowie eine surrealistische Sitcom mit acht Kurzfilmen mit dem Titel Rabbits. 2002 wurde Lynch zum Präsidenten der 55. Internationalen Filmfestspiele von Cannes ernannt.
Lynch, der seit 1973 Maharishi Mahesh Yogis Meditationstechnik Transzendentale Meditation praktiziert, gründete 2005 die David Lynch Stiftung für bewusstseinsbasierte Bildung und Weltfrieden. Während einer Welttournee mit dem Folksänger Donovan setzte er sich 2007 für die Gründung der sogenannte “Unbesiegbarkeitsuniversitäten”.
Im April 2009 ging der internetbasierte Fernsehsender David Lynch Foundation Television online mit dem Ziel, „Bewusstsein, Kreativität und Glück“ zu feiern.
Lynchs jüngster Spielfilm, Inland Empire, wurde Anfang September 2006 veröffentlicht. Er wurde mit dem Goldenen Löwen für sein Lebenswerk bei den Filmfestspielen von Venedig ausgezeichnet. Das Besondere an Inland Empire ist, dass es vollständig mit einer digitalen Handkamera aufgenommen wurde und Teile davon frei improvisiert wurden.
Von März bis Mai 2007 präsentierte die Pariser Fondation Cartier pour l’Art Contemporain die bislang umfassendste Ausstellung zu Lynchs Werken. Insgesamt wurden 800 Werke in Form von Zeichnungen, Gemälden, Grafiken, Fotografien, Collagen, Kurzfilmen und Installationen gezeigt. Im selben Jahr wurde Lynch von der Zeitschrift Elle für eine Reihe von Fotos französischer Schauspielerinnen engagiert und vom ehemaligen Präsidenten Nicolas Sarkozy zum Offizier der Ehrenlegion ernannt.
Von September bis November 2008 fand im Epson Kunstbetrieb erstmals in Düsseldorf und damit erstmals in Deutschland eine Ausstellung mit Lynchs Fotografien statt. Von November 2009 bis März 2010 war im Max-Ernst-Museum Brühl eine weitere Werksausstellung zu sehen. Darüber hinaus zeigte das Goslarer Mönchshaus-Museum für moderne Kunst von Oktober 2010 bis Januar 2011 Lynchs Gemälde, Fotografien und Lithografien.
Im April 2009 brachte der amerikanische Musiker Moby die Single Shot in the Back of the Head heraus, zu der David Lynch das Musikvideo drehte. Darüber hinaus war Lynch für die visuelle Gestaltung des Booklets für das Album Night of the Soul von DJ Danger Mouse und Sparklehorse verantwortlich. Lynch schrieb auch die Texte für zwei Songs auf diesem Album und sang sie selbst.
Im selben Jahr produzierte Lynch mit seinem Sohn Austin die Dokumentarserie Interview Project, die 121 Interviews, den Film Caring Son und 2010 den 16-minütigen Werbespot für Dior Lady Blue Shanghai enthält.
2011 entwarf Lynch den privaten Nachtclub Silencio in Paris, dessen Eigentümer er auch ist. Im Januar desselben Jahres erschien seine erste Solo-Single Good Day Today / I Know. In Deutschland erschien das Begleitalbum am 4. November 2011 mit dem Titel Crazy Clown Time. Im Juli 2013 veröffentlichte Lynch sein zweites Soloalbum The Big Dream.
Davids Arbeiten
Lynch ist in vielerlei Hinsicht ein talentierter Künstler. Seine Arbeiten umfassen Film, Malerei, Fotografie, Lithografie, Musik sowie die Gestaltung von Räumen, Möbeln oder sogar Sektflaschen. Gleichzeitig gelingt es ihm, seine persönliche Vision zu verwirklichen, die sich durch eine mysteriöse und suggestive Atmosphäre auszeichnet. Kontinuität und Gemeinsamkeit sind laut dem Kunsthistoriker Thomas W. Gaehtgens auch typisch für Lynchs Werk.
Vor allem Lynchs Stil hat die Filmwelt maßgeblich beeinflusst, weshalb die von ihm geschaffene Filmwelt einen eigenen Namen hat: “Lynchville”. In der Popkultur wird seine Filmsprache als „lynchesk“ oder „lynchean“ bezeichnet.
Einflüsse
Lynchs Werk war am meisten von der Kunst der Malerei beeinflusst. Er selbst nennt Francis Bacon, Henri Rousseau und Edward Hopper seine wichtigsten Vorbilder. Ersterer beeinflusste ihn durch seine Bilder, die die Verformung des Fleisches zeigten; Rousseau durch sein Thema des Mysteriums und Hopper durch sein Thema der Einsamkeit. Darüber hinaus waren die Künstler Lucian Freud, David Hockney und Ed Kienholz großartige Inspirationen für Lynch.
In Bezug auf die Filmgeschichte wurde er am meisten von Federico Fellini und Jacques Tati beeinflusst, aber auch von Werner Herzog, Stanley Kubrick, Ingmar Bergman, Alfred Hitchcock und Billy Wilder. Lynchs Lieblingsfilme sind Lolita (1962), Sunset Boulevard (1950) und The Wizard of Oz (1939).
Last but not least hatte auch die Literatur einen enormen Einfluss auf Lynchs Stil. Besonders Franz Kafka zog ihn an, weshalb er lange Zeit Kafkas Roman The Metamorphosis drehen wollte.
Die Lynch’sche Filmkunst
Lynchs surrealistische Filme zeichnen sich dadurch aus, dass die motivischen und thematischen Stilmittel zu einem großen Ganzen verschmelzen. Hier dient der Film Noir als Vorbild. Thematisch geht Lynch auf die Ereignisse seiner Kindheit in den fünfziger Jahren ein, aber auch auf die Massenerfahrungen in der US-Gesellschaft. Zu seinen Lieblingsthemen zählen die Sicherheit der Kleinstadt, die Mittelschicht, Musik, Familie, Liebe und Romantik, wobei er nicht vor deren Kehrseite zurückscheut: unterdrückte Libido und Gewalt, das Verborgene, Irrationale und Unbewusste.
Auf diese Weise verwandelt sich das Banale in Horror, Gewalt in Komödie, Mystik wird zum Gewöhnlichen, Pathos wird mit überlangen Bemerkungen geschmückt und das Improvisierte mit dem Zufälligen vermischt. Die absolute Metapher und das Paradox sind typisch für Lynchs Arbeit.
1997 beschrieb der Kritiker Andreas Kilb seine Arbeit als das „ewige Drama des unvollendeten Menschen“, dem der Glaube an die Seelenfülle von Objekten als Gegenpol zur „maskenhaften“ Natur menschlicher Gesichter innewohnt. Trotzdem ist Lynch als Filmemacher relativ marktfähig geblieben. In seinen späteren Filmen gewinnen Frauen vor allem im hollywoodianischen Kontext an Bedeutung.
Wohingegen auf der Motivebene Haus, Kabine, Korridore, das Feuer, die Farben Rot und Schwarz, die Straße als Symbol des Schicksals, die verborgene Kammer, entstellte Charaktere, seltsame Vermittler aus einer anderen Welt, Sternenhimmel, Doppelgänger, organischer Verfall, Strom etc. dominieren.
Eine beliebte Interpretation von Lynchs Filmen ist es daher, die Motive mit denen anderer Filme zu vergleichen, um sozusagen die übergeordnete Struktur zu erkennen. Wenn Sie nach rationalen Lösungen und logischen Erklärungen für das Erzählen suchen, werden Sie scheitern. In der Zwischenzeit wird akzeptiert, dass Lynch rationale oder übliche Formen des filmischen Erzählens nicht mag. Der Fokus liegt vielmehr auf der intensiven Atmosphäre in den Filmen. Ebenso bevorzugt er weniger häufig verwendete narrative Strukturen, insbesondere die „offene Form“. Hier bedient er sich hauptsächlich des sogenannten Möbius-Streifens oder der „merkwürdigen Schleife“ sowie der Dekonstruktion und der Werkzeuge der Postmoderne. Lynch vergleicht gerne seinen Filmemachensprozess mit dem des Malens, wobei er sich der Träume und der Intuition bedient. Der Soundtrack greift bewusst auf die Popkultur zurück, in der sich der Sound der Nachkriegszeit mit dem der Gegenwart abwechselt. Er hat ein feines Gespür für den Rhythmus von Bewegung und Sprache, Farbe, Raum, musikalischen Effekten und dem Zusammenspiel von Bild und Ton. Dies macht ihn zu einer Ausnahme von der Filmszene, Chris Rodley schwärmt in Lynch von Lynch.
Rezeption
Öffentliche Resonanz und Kritik
In den meisten Fällen beschränkt sich die Rezeption von Lynchs Werken auf jene Filme, die für den Aufbau seines Images als Kultfigur verantwortlich sind. Der „Universalkünstler“ David Lynch tritt jedoch eher in den Hintergrund, obwohl er auch Musik, Zeichnungen, Gemälde und Möbel produziert. Die anderen Arbeiten von Lynch haben seit der Jahrtausendwende dank der zahlreichen Ausstellungen an Aufmerksamkeit gewonnen. Die Haltung des Publikums gegenüber Lynchs Kunst ist geteilt: Einerseits wird er als provokant, fremdartig, unverständlich und seltsam beschrieben, andererseits wird er als innovativer und talentierter Künstler gefeiert. Insbesondere seine Filme werden wegen übermäßiger Repräsentation von Sex und Gewalt kritisiert.
Oft wird er auch angegriffen, weil er sich der Transzendentalen Meditation verschrieben hat. Lynch spielt eine Schlüsselrolle in David Sievepings Dokumentarfilm David wants to fly im Jahr 2010. Nach einem Interview mit Lynch über sein Lieblingsthema Transzendentale Meditation distanziert sich Sieveking, der einst ein großer Fan von Lynchs Filmen war, vom Regisseur und der Organisation. Diese Haltung wird noch verstärkt durch die Tatsache, dass Sieveking während eines weiteren Interviews das Stellen kritischer Fragen untersagt. Vor allem die Kosten für das Erlernen der Transzendentalen Meditation werden kritisiert. Wie bei vielen anderen Sekten üblich, wird die Ausbildung mit jeder neuen Stufe der Aufklärung teurer. Der Einführungskurs kostet ca. 2.000 Euro. Mit jedem weiteren Trainingslevel steigt der Preis. Um die Ausbildung für einen der höchsten Ränge zu erhalten, muss man mehr als 100.000 US-Dollar bezahlen. Dies wird oft mit der Situation in Scientology verglichen. Zu den Anhängern der Transzendentalen Meditation gehören David Lynch, Ringo Starr oder Paul McCartney. Mit seiner David Lynch Foundation möchte Lynch Schüler und Studenten in die Transzendentale Meditation einführen und ihnen das “Yogische Fliegen” ermöglichen.
Einnahmen
Zu den finanziellen Erfolgen zählen
- The Elephant Man (26 Mio. USD)
- Wild at Heart (14,6 Mio. USD)
- Mulholland Drive (20,1 Mio. USD) und
- Blue Velvet (8,5 Mio. USD).
Auszeichnungen (Auswahl)
David Lynch erhielt 42 Filmpreise und wurde für weitere 38 nominiert, darunter vier Oscars. 1989 wurde er mit der Goldenen Palme bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes geehrt, wo er 2001 auch den Regiepreis erhielt. 2006 wurde er für sein Lebenswerk bei den Filmfestspielen von Venedig mit einem Goldenen Löwen ausgezeichnet wurde vom Kulturminister Jean-Jacques Aillagon zum Ritter geschlagen, und Nicolas Sarkozy ernannte ihn 2007 zum Offizier der französischen Ehrenlegion. 2010 wurde Lynch mit dem Kaiserring der Stadt Goslar ausgezeichnet. Im selben Jahr erhielt er den Kölner Filmpreis auf der Kölner Konferenz. In der Liste der 40 besten Regisseure von The Guardian steht Lynch an erster Stelle.