David Keith Lynch ist bekannt für seine surrealistischen Filme. Sein Filmstil ist so einzigartig und eigenartig, dass er sogar seinen eigenen Namen erhielt: “Lynchian”. Der Begriff steht für Lynchs Markenzeichen wie Traumbilder, sorgfältige Klanggestaltung sowie surreale und gewalttätige Elemente, die den Betrachter “stören, beleidigen und verwirren”.
Lynchs Oeuvre umfasst sowohl Spielfilme als auch Kurzfilme, Dokumentarfilme und Musikvideos. In diesem Artikel wird der Schwerpunkt jedoch eindeutig auf den Spielfilmen liegen. Sein Engagement deckt ein breites Spektrum von Bereichen ab, von Regie über Produktion und Drehbuch bis hin zu Sounddesign und sogar Schauspiel. Lynchs erstes Projekt war der kurze Animationsfilm Six Men Getting Sick (Six Times) aus dem Jahr 1967, in dem er Skulptur- und Malelemente kombinierte. Sein erster Spielfilm mit dem Titel Eraserhead (1977) wurde zum Kultfilm und repräsentiert den Beginn seiner Mainstream-Karriere. In diesem Film arbeitete er auch zum ersten Mal mit Jack Nance zusammen, einem Schauspieler, der bis zu seinem Tod 1996 in zahlreichen anderen Lynch-Produktionen auftrat. Zu Lynchs von der Kritik gefeierten und auch kommerziell erfolgreichsten Filmen gehört The Elephant Man (1980), Blue Velvet (1986) und Mulholland Drive (2001), für die er Oscar-Nominierungen erhielt. Sein Wüstenepos Dune floppte jedoch.
Eraserhead (1977)
Eraserhead wurde von Lynch geschrieben, inszeniert, produziert und bearbeitet. Der Film kann den Genres Horrorfilm, surrealistischer, fantastischer sowie Science-Fiction- und Punk-Film zugeordnet werden. Keines dieser spezifischen Genres trifft jedoch vollständig auf Eraserhead zu, weshalb der Film auch als „completely sui generis“ bezeichnet wird.
Die Geschichte dreht sich um Henry Spencers Vaterschaft, die ihn sowohl körperlich als auch geistig betrifft. Henrys Probleme lösen sich nicht nur mit dem Tod des Kindes auf, sondern er selbst mit ihnen.
Als Lynch den Film für das New York Film Festival einreichen wollte, wurde der Film abgelehnt. So reichte er den Film beim Los Angeles Film Festival Filmex ein, wo er in seiner 108-minütigen Originalversion gespielt wurde. Aufgrund der Reaktion des Publikums kam er zu dem Schluss, dass der Film zu langsam und langweilig war, weshalb er ihn später auf 89 Minuten verkürzte.
Die erste öffentliche Filmkritik des US-amerikanischen Filmmagazins Variety verlief katastrophal. Der Film wurde als “unerträglich geschmackloses Erlebnis” bezeichnet. Darüber hinaus wurde Eraserhead mangelnde Subtilität sowie unzureichende Maßnahmen vorgeworfen. Dennoch war Lynchs Festivalpräsentation sein künstlerischer Durchbruch. Dank des unabhängigen New Yorker Filmverleihers Ben Bahrenholz wurde Eraserhead zu einem Underground Insider-Tipp.
Ab 1979 stand der Film auch in Großbritannien und Deutschland im Mittelpunkt des Interesses. Die Kritiken waren überwiegend positiv und betrachteten Eraserhead als einen künstlerisch ambitionierten Film in der Tradition des Surrealismus und Expressionismus. In der Wochenzeitung Zeit wurde der Film als “Kultfilm der kommenden Jahre” bezeichnet, im Kino wurde von einer “faszinierenden Erfindung” gesprochen. Eraserhead wurde auch mit Luis Buñuel und Salvador Dalis surrealistischem Werk An Andalusian Dog, Ridley Scotts Alien und George A. Romeros Zombie verglichen.
Eraserhead war auch ein großer kommerzieller Erfolg. Während die Produktionskosten 20.000 US-Dollar betrugen, erzielte der Film allein in den USA einen Umsatz von 7 Millionen US-Dollar. Regisseure wie John Waters und Stanley Kubrick nannten Lynchs Werk einen ihrer Lieblingsfilme, was Eraserhead noch populärer machte.
In der Liste der Top 50 Kultfilme des Entertainment Weekly Magazine belegte der Film den 14. Platz. Im Jahr 2010 wurde es von der Online Film Critics Society auf den 2. Platz in der Liste der 100 besten Erstlingsfilme aller Zeiten gewählt.
Der Film beeinflusste die Werke verschiedener renommierter Regisseure wie Shining von Stanley Kubrick, Tetsuo: The Iron Man von Shin’ya Tsukamoto oder Darren Aronofskys Pi. Lynchs Film wirkte sich auch auf die Arbeit von Terry Gilliam oder David Cronenberg aus.
Musikalisch hat der Film auch Einzug in die Popkultur gehalten. Die Pixies interpretierten zum Beispiel das Lied, das die Frau hinter dem Heizkörper singt: Im Himmel. Das Radiator-Lied, das von Peter Ivers für den Film geschrieben und aufgeführt wurde, wurde auch von Künstlern wie Keith Kenniff oder Zola Jesus gecovert.
The Elephant Man (1980)
David Lynch führte Regie bei diesem Schwarz-Weiß-Filmdrama. John Hurt spielte den “Elephant man” John Merrick, der durch eine Krankheit entstellt wurde, und Anthony Hopkins wurde für die Rolle des Doktors Frederick Treves besetzt. Der Film basiert auf einer wahren Begebenheit. Aufgrund seiner bizarren körperlichen Deformität wird John Merrick zu einer Attraktion auf den Jahrmärkten. Der Arzt Frederick Treves befreit ihn aus dieser Situation, erkennt in ihm einen eloquenten und sensiblen Mann und nimmt den Versuch auf, ihn in die Gesellschaft zu integrieren.
The Elephant Man feierte am 3. Oktober 1980 in New York City seine Weltpremiere. In Europa wurde der Film 1981 zum ersten Mal ausgestrahlt, war aber schlecht besucht. Trotzdem wurde es ein finanzieller Erfolg und brachte allein in den USA das Fünffache des Filmbudgets ein.
Der Film wurde sowohl von Kritikern als auch vom Publikum gut aufgenommen. Das bekannteste Merkmal war die detaillierte Rekonstruktion der viktorianischen Ära. Lynch gab später zu, dass er zu Beginn der Dreharbeiten nur sehr wenig über die Epoche wusste, weshalb er umfangreiche Nachforschungen anstellen musste.
In Bezug auf die Sentimentalität gingen die Meinungen der Kritiker auseinander. Einige behaupteten, Lynch habe Sentimentalität im Film vermieden, während andere der Meinung waren, dass Sentimentalität gut genutzt wurde und dem Film zugute kam. Wieder andere sahen seine Verwendung negativ und bezeichneten es als sehr “oberflächlich”. Während der Filmkritiker Roger Ebert Lynchs Theaterauftritt und seine Regiearbeit lobte, bezeichnete er die Eröffnungs- und Schlussszene als “idiotisch” und “unentschuldbar”.
The Elephant Man half Lynch, sich in Hollywood als Regisseur zu etablieren. Infolgedessen erhielt er viele Filmangebote. George Lucas zum Beispiel bot ihm an, die Rückkehr der Jedi-Ritter zu leiten. Lynch entschied sich jedoch wegen der größeren künstlerischen Freiheit für den Wüstenplaneten Dune von Dino De Laurentiis.
Bei den Academy Awards 1981 wurde The Elephant Man in insgesamt acht Kategorien nominiert.
Der Wüstenplanet – Dune (1984)
Dune, basierend auf dem gleichnamigen Roman von Frank Herbert, gehört zum Genre der Science-Fiction. Lynch inszenierte den Film. Die Hauptrollen spielten Jürgen Prochnow, Kyle MacLachlan, Patrick Steward und Sting.
Vor Lynch unternahm der Autor und Regisseur Alejandro Jodorowsky einen Versuch, den Roman zu adaptieren. Zu diesem Zweck wurden Mitte der 1970er Jahre vom Schweizer Künstler H. R. Giger sogar Designstudien erstellt. Gleichzeitig entwarf der britische Künstler Chris Foss mehrere Entwürfe von Raumschiffen. Jodorowsky wollte Salvador Dali für dieses Projekt für eine Gebühr von 100.000 USD pro Minute gewinnen. Gegen Ende 1976 erwarb der italienische Filmproduzent Dino De Laurentiis die Rechte an Dune und beauftragte Herbert 1978, ein Drehbuch zu schreiben. 1979 beauftragte Laurentiis Ridley Scott mit der Regie des Films. Zu diesem Zeitpunkt wurde das Drehbuch von Rudy Wurlitzer überarbeitet. Das Projekt zog sich hin.
1981 besuchte die Tochter von Dino De Laurentiis, Raffaella, eine Filmproduzentin, The Elephant Man und bat Lynch, das Projekt zu übernehmen. Er stimmte zu, das Drehbuch zu leiten und zu schreiben, ohne das Buch zu kennen oder Erfahrung auf dem Gebiet der Science-Fiction zu haben. Lynch arbeitete sechs Monate lang mit Christopher De Vore und Eric Bergen am Drehbuch. Aufgrund künstlerischer Differenzen löste sich das Autorenteam auf und Lynch verfasste fünf weitere Entwürfe für sich. Schließlich wurde der sechste Entwurf, der 135 Seiten umfasste, gefilmt. Der Film wurde in Mexiko mit einer Crew von 1.700 Leuten gedreht und benötigte 80 Sets. Das Budget betrug über 40 Millionen US-Dollar. Die Originalfassung des Films dauerte etwa 3,5 Stunden, wurde aber vom Produzenten auf weniger als zwei Stunden gekürzt.
Dune wurde am 3. Dezember 1984 im Kennedy Center in Washington uraufgeführt, nachdem mehrere Magazine die Produktionsarbeit verfolgt und in Artikeln vor der Veröffentlichung des Films gelobt hatten. An seinem Eröffnungswochenende brachte das Wüstenepos über 6 Millionen Dollar und insgesamt fast 31 Millionen Dollar ein. Angesichts des Budgets von über 40 Millionen war dies eine große Enttäuschung.
Auch die Bewertungen waren alles andere als zufriedenstellend. Robert Ebert gab Dune einen von vier Sternen und schrieb: „Dieser Film ist ein echtes Durcheinander, ein unverständlicher, hässlicher, unstrukturierter, sinnloser Ausflug in die finsteren Gefilde eines der verwirrendsten Drehbücher aller Zeiten.“ Ebert nannte Dune schließlich “den schlechtesten Film des Jahres“. Gene Siskel sagte in seiner Rezension: “Der Film ist hässlich, er enthält mindestens ein Dutzend blutiger Szenen. Einige seiner Spezialeffekte sind billig – überraschend billig, weil dieser Film 40-45 Millionen Dollar gekostet hat – und seine Geschichte ist unglaublich verwirrend. Für den Fall, dass ich mich nicht klar ausgedrückt habe: ich habe es gehasst, diesen Film anzuschauen. “Andere Rezensenten kritisierten dieselben Aspekte sowie die Länge des Films.
Laut dem Filmkritiker und Science-Fiction-Autor Harlan Ellison wurden die negativen Kritiken durch die Tatsache hervorgerufen, dass die Vorführungen nicht nur immer wieder verschoben wurden, sondern auch den Kritikern verweigert wurde, sie zu sehen. Anscheinend hatten diese Umstände die Filmgemeinschaft verärgert und die Rezeption des Films beeinflusst. Daniel Snyder lobte auch Lynchs Arbeit und beschrieb sie als „… ein äußerst fehlerhaftes Werk, das als kommerzielles Unternehmen gescheitert ist, es aber dennoch geschafft hat, wesentliche Teile eines der dichtesten Science-Fiction-Werke zu erfassen und zu destillieren.“ Laut Snyder war Lynchs surrealer Stil entstanden “Eine Welt, die sich völlig fremd anfühlte”, voller “bizarrer Traumsequenzen, voller Bilder von ungeborenen Föten und schimmernder Energie und beunruhigender Szenerie wie die industrielle Hölle der Heimatwelt der Harkonnen”, mit der er Kubricks 2001: A Space Odyssey als George Lucas Arbeit.
Aufgrund des kommerziellen Scheiterns sowie der vernichtenden Kritiken lösten sich die Pläne für eine Fortsetzung von Dune in Luft auf. In dieser Hinsicht gab Lynch zu, dass es besser gewesen wäre, wenn er nicht Regie geführt hätte: „Ich habe angefangen, Dune zu verkaufen. Rückblickend ist es niemand anderes als meine eigene Schuld. Ich hätte diesen Film wahrscheinlich nicht machen sollen, aber ich sah Tonnen und Tonnen von Möglichkeiten für Dinge, die ich liebte, und das war die Gelegenheit sie umsetzen zu können. Es gab so viel Raum, um eine Welt zu erschaffen. Aber ich habe starke Hinweise von Raffaella und Dino De Laurentiis bekommen, welche Art von Film sie erwartet haben, und ich wusste, dass ich keinen finalen Schnitt hatte. “
1985 erhielt der Film eine Oscar-Nominierung für den Besten Film sowie Saturn-Nominierungen in den Kategorien Beste Kostüme, Beste Maske, Beste Spezialeffekte und Bester Science-Fiction-Film. Dune wurde auch für den Hugo Award für die beste Dramendarstellung nominiert.
Blue Velvet (1986)
Dieser Film wurde von David Lynch geschrieben und inszeniert. Blue Velvet gehört zum Neo-Noir-Mystery-Genre und verbindet psychologischen Horror mit Film Noir. Es wurde vom unabhängigen Studio De Laurentiis Entertainment Group produziert und finanziert. Die Besetzung umfasst Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper und Laura Dern. Der Titel des Films leitet sich aus dem gleichnamigen Lied von Tony Bennett aus dem Jahr 1951 ab. Der Film erzählt die Geschichte eines jungen Studenten, der nach Hause kommt, um seinen kranken Vater zu besuchen. Er entdeckt ein abgetrenntes menschliches Ohr auf einem Feld, das dazu führt, dass er eine riesige kriminelle Verschwörung aufdeckt und eine romantische Beziehung mit einem problembehafteten Lounge-Sänger eingeht.
Die Meinungen zum Film war zunächst geteilt. Viele gaben an, dass sein unappetitlicher Inhalt wenig künstlerischen Zwecken diene. Blue Velvet brachte Lynch jedoch seine zweite Oscar-Nominierung als bester Regisseur ein und brachte ihn so in den Kultstatus. Als Beispiel für ein Regisseurcasting gegen die Norm wurde Lynch zugeschrieben, dass er Hoppers Karriere wieder in Schwung gebracht und Rossellini die Möglichkeit gegeben hat, sich dramatisch über ihre frühere Tätigkeit als Model hinaus auszudrücken.
Der Film erregte vor allem wegen seiner thematischen Symbolik Aufmerksamkeit und gilt heute als eines der Hauptwerke von Lynch sowie als einer der größten Filme der 1980er Jahre. Diese Meinung wurde auch von verschiedenen Publikationen wie Sight & Sound, Time, BBC Magazine und Entertainment Weekly geteilt. Im Jahr 2008 wählte das American Film Institute den Film zu einem der größten amerikanischen Mystery-Filme, die je gedreht wurden.
Für die Hauptrollen wurden mehrere damals noch relativ unbekannte Schauspieler besetzt. Isabella Rossellini war eigentlich nur für ihre Lancôme-Werbespots und die Tatsache bekannt, dass sie die Tochter der Schauspielerin Ingrid Bergman und des italienischen Filmregisseurs Roberto Rossellini war. Dennis Hopper war der Schauspieler mit dem höchsten Profil. Zuvor spielte er in Easy Rider (1969) und war die dritte Wahl für die Rolle des Frank. Harry Dean Stanton und Steven Berkoff hatten die Rolle wegen des gewalttätigen Inhalts des Films abgelehnt. Kyle MacLachlan spielte die Hauptfigur in Lynchs kommerziellem Flop Dune. Laura Dern, die damals 19 Jahre alt war, wurde nur deshalb für die Rolle besetzt, weil die anderen erfolgreichen Schauspielerinnen die Rolle abgelehnt hatten, einschließlich Molly Ringwald.
Blue Velvet hat insgesamt 22 Filmpreise gewonnen, darunter den Preis der National Society of Film Critics und den Preis der Los Angeles Film Critics Association. Darüber hinaus erhielt der Film 12 weitere Nominierungen.
Wild at Heart (1990)
David Lynch schrieb und inszenierte diesen neo-noir-schwarzen Comedy-Krimi, der auf einem gleichnamigen Roman von 1989 von Barry Gifford basiert. Die Besetzung besteht aus Nicolas Cage, Laura Dern, Willem Dafoe, Diane Ladd, Harry Dean Stanton und erneut Isabella Rossellini. Die Geschichte dreht sich um ein junges Paar aus Cape Fear, North Carolina – Sailor Ripley (Cage) und Lula Pace Fortune (Dern) -, die auf der Flucht vor Lulas herrschsüchtiger Mutter sind, sowie die Gangster, die angeheuert wurden, um Sailor zu töten.
Ursprünglich plante Lynch nur, den Film zu produzieren, aber nachdem er den Roman gelesen hatte, beschloss er, den Film auch zu schreiben und zu inszenieren. Da er das Ende des Romans nicht mochte, änderte er es entsprechend seiner Vision der Hauptfiguren. Wild at Heart ist in der Tat ein Roadmovie und enthält eine Reihe von Anspielungen auf Elvis Presley und seine Filme und The Wizard of Oz.
Nach Lynchs Meinung ist eines der Hauptthemen des Films “Liebe finden in der Hölle”. Dennoch bemühte er sich, das ursprünglich dunklere Ende der Geschichte bewusst in ein „glückliches“ zu verwandeln. Dieser Aspekt wurde von einigen Kritikern scharf kritisiert, die behaupteten, das plötzliche idealistische Ende des vollkommenen Glücks sei viel zu ironisch.
Aufgrund der starken Gewalt in einigen Szenen waren frühe Testvorführungen alles andere als gut. Bei der ersten Vorstellung verließen 80 Personen den Raum während einer Folterszene mit Johnnie Farragut. Trotzdem beschloss Lynch, die Szene im Film zu belassen. Beim zweiten Test-Screening gingen jedoch hundert Personen in der gleichen Szene hinaus, weshalb er den Film in dieser Hinsicht ein wenig abgeschwächt hat.
Zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung erhielt der Film gemischte Kritiken. Jonathan Rosenbaum von der Zeitschrift Sight & Sound erklärte zum Beispiel: „Das größte Problem ist vielleicht, dass Lynch sich trotz aller Bemühungen von Cage und Dern letztendlich nur für Ikonografie interessiert, überhaupt nicht für Charaktere. Wild at Heart ist ein wahres Füllhorn, wenn es um Bilder des Bösen, der Korruption, der Störung, der rohen Leidenschaft und der Verstümmelung geht. Time und das Cineaste-Magazin teilten diese Ansicht ziemlich genau. Während Peter Travers in der Zeitschrift Rolling Stone schrieb: „Er entzündet einen kleinen Liebesroman und kreiert ein Lagerfeuer eines Films, das seinen Ruf als aufregendster und innovativster Filmemacher der heutigen Generation bestätigt’.
Trotz dieser unterschiedlichen Kritiken wurde Wild at Heart in einer komplexen Umfrage als 26. bester Film der 90er Jahre, als 47. bester Film des gleichen Zeitraums in einer Kritikerumfrage von IndieWire und als 53. bester Film in einer Umfrage von Rolling Stone bewertet. Der Film war jedoch ein mäßiger Erfolg an der US-Kinokasse und spielte nur 14 Millionen US-Dollar ein, was über den Produktionskosten von 10 Millionen US-Dollar lag.
In Bezug auf Auszeichnungen gewann Wild at Heart 1990 die Palme d’Or bei den Filmfestspielen von Cannes, bei denen das Publikum sowohl positive als auch negative Kritiken erhielt. Diane Ladd wurde 1990 bei den Academy Awards und 1991 bei den Golden Globes als beste Nebendarstellerin nominiert.
Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992)
David Lynch führte Regie bei diesem Psycho-Horrorfilm und schrieb das Drehbuch gemeinsam mit Robert Engels. Es ist ein Prequel der Fernsehserie Twin Peaks (1990-1991) und gehört zu den Genres Thriller, Surrealismus und Horrorfilm. Der Film wurde am 16. Mai 1992 auf den 45. Internationalen Filmfestspielen von Cannes uraufgeführt. Die Geschichte dreht sich um die Untersuchung des Mordes an Teresa Banks, gespielt von Pamela Gidley, und die letzte Woche im Leben der siebzehnjährigen Laura Palmer, gespielt von Sheryl Lee. Ähnlich wie Blue Velvet ist Twin Peaks ein Labyrinth aus Sex, Drogen und Gewalt, das sich hinter der Fassade der gleichnamigen idyllischen Kleinstadt verbirgt. Mit Ausnahme von Lara Flynn Boyle und Sherilyn Fenn haben die meisten Fernsehsender ihre Rollen für den Film neu interpretiert.
Fire Walk with Me erhielt zunächst negative Bewertungen in den USA. Janet Maslin von der New York Times erklärte zum Beispiel: „Mr. Lynchs Geschmack für hirntote Groteske hat seine Neuheit verloren, während USA Today den Film “eine krankhaft freudlose Angelegenheit” nannte. Eine Ausnahme unter diesen Kritiken war der Romanautor Steve Erickson, der die negative Rezeption des Films in Frage stellte und sie in der LA Weekly verteidigte. In Europa soll der Film bei den Filmfestspielen von Cannes 1992 vom Publikum ausgebuht worden sein. Co-Autor Robert Engels bestreitet jedoch, dass ein solches Ereignis jemals stattgefunden hat.
Finanziell war Fire Walk with Me ein Kassenboom in den Vereinigten Staaten. Er inspirierte mehrere Kritiker in ganz Europa und auch in Japan lief er sehr gut. Insgesamt gewann der Film drei Filmpreise und wurde für weitere fünf nominiert. Alle drei Auszeichnungen wurden an den Filmkomponisten Angelo Badalamenti für seine musikalische Leistung vergeben.
Lost Highway (1997)
David Lynch hat diesen Neo-Noir-Film inszeniert und zusammen mit Barry Gifford geschrieben. In den Hauptrollen sind Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthazar Getty und Robert Blake zu sehen. Die Geschichte dreht sich um einen Musiker (Pullman), der mysteriöse VHS-Kassetten von ihm und seiner Frau (Arquette) in ihrem Haus erhält und plötzlich wegen Mordes verurteilt wird. Danach verschwindet er unerklärlicherweise und wird durch einen jungen Mechaniker (Getty) ersetzt.
Lost Highway wurde größtenteils in Los Angeles gedreht und von der französischen Produktionsfirma Ciby 2000 finanziert. Bei diesem Film arbeitete Lynch mit dem Kameramann Peter Deming und der Produzentin Mary Sweeney zusammen. Lynch betrachtet den Film eher als eine „psychogene Fuge“ als eine logische, konventionelle Geschichte. Lost Highway zeichnet sich durch eine surreale Erzählstruktur aus, die mit einem Möbius-Streifen verglichen wurde. Der Soundtrack des Films wurde von Trent Reznor produziert und enthält eine Originalpartitur von Barry Adamson und Angelo Badalamenti sowie Songs von Künstlern wie Marilyn Manson, Rammstein, David Bowie und The Smashing Pumpkins.
Obwohl Lost Highway im Allgemeinen als Neo-Noir-Film klassifiziert ist, leiht es sich auch Elemente aus Genres wie der französischen Neuen Welle oder dem deutschen Expressionismus aus. Seine erzählerischen Elemente wurden auch mit den Begriffen „Horrorfilm“ und „Psychothriller“ beschrieben. Laut Thomas Caldwell vom australischen Metro Magazine ist Fred Madison “ein typischer Film-Noir-Held, der in einer verdammten und trostlosen Welt lebt, die von einem Übermaß an Sexualität, Dunkelheit und Gewalt geprägt ist.” Die Femme Fatale wird verkörpert von Alice Wakefield. Lost Highway war auch für seine sexuellen Themen und die grafische Gewalt bekannt, die Lynch verteidigte, indem er erklärte, er wolle einfach seiner eigenen Vision für den Film treu bleiben.
In Anlehnung an Alfred Hitchcocks Film Vertigo von 1958 thematisiert der Film männliche Obsessionen gegenüber Frauen und die damit verbundenen Emotionen. Der Film handelt definitiv von „Identität“, ist aber sehr abstrakt und überlässt die Interpretation der Ereignisse den Zuschauern.
Wie bereits erwähnt, wurde die zirkulierende Erzählweise des Films oft mit einem Möbius-Streifen verglichen. Laut dem Kulturkritiker Slavoj Žižek repräsentiert die Zirkularität den psychoanalytischen Prozess. Er sagt: „Es gibt eine symptomatische Schlüsselphrase… die immer als eindringliche, traumatische und nicht entzifferbare Botschaft zurückkehrt, und es gibt eine zeitliche Schleife, wie bei der Analyse, bei der der Hauptdarsteller zunächst nicht auf das Selbst trifft, sondern am Ende in der Lage ist, das Symptom bewusst als sein eigenes auszusprechen. ‘
Bei der Veröffentlichung waren die Kritiken auf Lost Highway recht gemischt. Roger Ebert und Gene Siskel gaben dem Film “zwei Daumen nach unten”, was Lynch später mit “zwei weiteren guten Gründen, den Film zu sehen” kommentierte. Ebert argumentierte, dass der Film trotz des effektiven Einsatzes von Bildern in Kombination mit einem starken, stimmungsbildenden Soundtrack nicht viel Sinn mache. Für ihn geht es im Film nicht um Kino, sondern nur um Design – eine Meinung, die Kenneth Turan von der Los Angeles Times teilt, für den Lost Highway ein „wunderschön gemachter, aber emotional leerer“ Film ist, der „nur für die Sensation seiner provokanten Momente existiert“. Dennoch hat der Film seitdem kritisches Lob, wissenschaftliches Interesse sowie eine Kult-Gefolgschaft auf sich gezogen.
Nach einer bescheidenen dreiwöchigen Aufführung erzielte der Film in Nordamerika ein Bruttoeinkommen von 3,7 Millionen US-Dollar und wurde von der österreichischen Komponistin Olga Neuwirth als Oper adaptiert.
The Straight Story (1999)
The Straight Story wurde von David Lynch inszeniert und ist ein international co-produzierter biografischer Road-Drama-Film. Mary Sweeney, Lynchs Mitarbeiterin und langjährige Partnerin, hat den Film geschnitten und produziert. Sie war auch Co-Autorin des Drehbuchs mit John E. Roach. Der Film basiert auf einer wahren Geschichte von Alvin Straight, der mit einem Rasenmäher durch Wisconsin und Iowa gereist ist. Alvin, ein älterer Veteran des Zweiten Weltkriegs, der von Richard Farnsworth gespielt wird, lebt mit seiner geistig behinderten Tochter Rose (Sissy Spacek) zusammen. Als sein entfremdeter Bruder Lyle, der von Harry Dean Stanton verkörpert wird, einen Schlaganfall erleidet, beschließt Alvin, ihn zu besuchen und hofft, sich mit ihm gut zu stellen, bevor er stirbt. Da er keinen Führerschein besitzt, weil seine Augen und Beine zu stark beeinträchtigt sind, kuppelt er einen Anhänger an seinen alten John Deere 110-Rasentraktor, der eine Höchstgeschwindigkeit von ca. 8 km/h hat. Er begibt sich damit auf die 240 Meilen lange Reise von seiner Heimatstadt nach Mount Zion, Wisconsin.
Bei seiner Veröffentlichung wurde The Straight Story von Kritikern für dieses sehr un-lynchische Thema gelobt. Eine Rezension in Entertainment Weekly beschrieb es mit dem Satz “Himmlisches Stück von Amerika”, während die Chicago Tribune über die “unsentimentalisierte Schönheit der ländlichen amerikanischen Landschaft des Mittleren Westens” staunte, die amerikanische Studiofilme ihren Zuschauern normalerweise nicht bieten. Jahre nach seiner Veröffentlichung liegt die durchschnittliche Bewertung von Rotten Tomatoes bei 8,1 / 10, was den Film als „Langsam, aber herzerwärmend“ charakterisiert. Basierend auf Rezensionen erhielt The Straight Story bei Metacritic 86 von 100 Punkten, was auf seine „universelle Anerkennung“ hinweist. Laut AllMovie bietet “David Lynch eine ungewöhnlich klare und äußerst sentimentale Herangehensweise an sein Material in diesem Film”. Robert Ebert, der normalerweise Lynchs Filme mit bissigen Kritiken bewertet hatte, bewertete sie mit vier von vier Sternen und schwärmte: „Der Film handelt nicht nur von der Odyssee des alten Alvin Straight durch die verschlafenen Städte und ländlichen Bezirke des Mittleren Westens, sondern auch von den Menschen die er findet und ihm zuzuhören und für ihn sorgen ‘.
Das Gesamtergebnis von The Straight Story erwies sich jedoch als weniger als ursprünglich erwartet. Dennoch erhielt es 12 Auszeichnungen und 29 Nominierungen, darunter eine Nominierung für die Palme d’Or bei den Filmfestspielen von Cannes 1999. Darüber hinaus wurde Richard Farnsworth für seine Darstellung von Alvin Straight für den Oscar als bester Schauspieler nominiert.
Mulholland Drive (2001)
Dies ist ein weiterer Neo-Noir-Mystery-Film, den David Lynch geschrieben und inszeniert hat. Die Besetzung umfasst Naomi Watts, Laura Harring, Ann Miller, Justin Theroux und Robert Forster. Die Geschichte dreht sich um eine aufstrebende Schauspielerin namens Betty Elms, gespielt von Naomi Watts, einer jungen LA-Bewohnerin, die sich mit einer Amnesie-Frau anfreundet, mit Laura Harring in der Hauptrolle, die sich von einem Autounfall erholt hat. Die Handlung folgt auch anderen Charakteren und Vignetten, wie zum Beispiel einem Hollywood-Regisseur (Theroux).
Ein großer Teil des Films wurde 1999 mit der Absicht gedreht, ihn offen zu halten, da er ursprünglich als Fernsehpilot konzipiert war. Nachdem die TV-Manager den Schnitt von Lynch gewünscht hatten, lehnten er ihn jedoch ab. Also hat er es mit einem Ende versehen und daraus einen Spielfilm gemacht. Lynch gab dem Film den Slogan “Eine Liebesgeschichte in der Stadt der Träume” und lehnte es ab, eine Erklärung für die Bedeutung oder Symbolik von Mulholland Drive anzubieten, was zu vielfältigen Interpretationen und Diskussionen führte. Laut dem Schauspieler Justin Theroux waren die unterschiedlichen Wahrnehmungen des Films von Lynch sehr erwünscht: “Er liebt es, wenn die Leute wirklich bizarre Interpretationen entwickeln.”
Um die Betrachter noch mehr zu täuschen und zu verwirren, verwendet David Lynch archetypische, klischeehafte Charaktere wie die Femme Fatale, den New Hollywood Hope, den Maverick Director oder die zwielichtigen Powerbroker in Szenarien, die Komponenten und Bezüge zu Träumen, Albträumen und Fantasien aufweisen. Er überlässt es den Zuschauern, zu entscheiden, was Realität ist.
Insgesamt behauptet der Gelehrte Curt Hersey, dass Mulholland Drive tatsächlich eine Abfolge avantgardistischer Techniken ist, wie nicht-traditionelle Kamerabewegung, Bewegungsgeschwindigkeit, abrupte Übergänge, fehlende Übergänge, computergenerierte Bilder, nicht-diätetische Bilder, Intertextualität und eine nicht-lineare Erzählung.
Seit seiner Veröffentlichung hat der Film das größte Lob und die härtesten Epitheta in der jüngeren Filmgeschichte erhalten. Robert Ebert von der Chicago Sun-Times, der Lynchs Filme in erster Linie ablehnte, vergab vier oder vier Sterne und schrieb: „David Lynch hat während seiner gesamten Karriere in Richtung Mulholland Drive gearbeitet, und jetzt, da er dort angekommen ist, vergebe ich ihm Wild at Heart und sogar Lost Highway… der Film ist eine surrealistische Traumlandschaft in Form eines Hollywood-Film Noir, und je weniger Sinn es ergibt, desto mehr können wir nicht aufhören, ihn anzusehen. Anschließend fügte er den Film sogar seiner Liste „Großartige Filme“ hinzu. Peter Travers von Rolling Stone schwärmte: „Mit Mulholland Drive fühlen sich Filme wieder lebendig an. Dieses sündige Vergnügen ist ein neuer Triumph für Lynch und einer der besten Filme eines traurigen Jahres. Für visionäres Wagemut, ohnmächtige Erotik und Farben, die wie der Lipgloss einer Hure aufblitzen, gibt es nichts vergleichbares, Baby. “
Rex Reed von The New York Observer hingegen nannte Mulholland Drive den schlimmsten Film, den er 2001 gesehen hatte, und beschrieb ihn als “eine Ladung schwachsinnigen und inkohärenten Mülls”. James Berardinelli kritisierte es und behauptete: „Lynch betrügt sein Publikum und zieht den Teppich unter uns hervor. Er mischt alles mit dem einzigen Ziel, uns zu verwirren. Nichts ergibt einen Sinn, weil es keinen Sinn ergeben soll. Ereignisse haben weder einen Zweck noch eine Logik. Lynch spielt einen großen Scherz mit uns. “
Dennoch wurde Mulholland Drive später von IndieWire, Slant Magazine, der Los Angeles Film Critics Association, Cahiers du Cinéma, Reverse Shot, The Village Voice und Time Out New York zum besten Film des Jahrzehnts gekürt. Es erhielt vier Golden Globe-Nominierungen, darunter “Bestes Drehbuch”, “Bester Regisseur” und “Bestes Bild”. Daneben wurde Lynch für einen Oscar als bester Regisseur für den Film nominiert.
Inland Empire (2006)
Neben dem Schreiben, Regie führen und Co-Produzieren war David Lynch auch für Schnitt, Kamera, Sounddesign und Filmmusik für diesen experimentellen Thriller verantwortlich. Lynchs damalige Frau und langjährige Mitarbeiterin Mary Sweeney war Co-Produzentin des Films. Es werden nicht nur Lynchs reguläre Darsteller wie Harry Dean Stanton, Justin Theroux, Laura Dern und Grace Zabriskie gezeigt, sondern auch Karolina Gruszka, Jeremy Irons, Krzysztof Majchrzak, Peter J. Lucas und Julia Ormond. Darüber hinaus treten eine Reihe weiterer Schauspieler auf, darunter Laura Harring, Terry Crews, Nastassja Kinski, William H. Macy und Mary Steenburgen. Der Film leitet seinen Titel von einem tatsächlichen Wohngebiet in Südkalifornien ab.
Unter dem Motto „A Woman in Trouble“ folgt der Film dem Albtraum und den stark fragmentierten Ereignissen rund um eine Hollywood-Schauspielerin, die von Dern verkörpert wird und nach und nach immer mehr Persönlichkeitsmerkmale der Figur annimmt, die sie in einem Film spielt. Inland Empire, eine internationale Koproduktion zwischen den USA, Polen und Frankreich, wurde hauptsächlich in Los Angeles und Polen gedreht und innerhalb von drei Jahren fertiggestellt. Der Herstellungsprozess war für Lynch eine Premiere: Der Film wurde größtenteils Szene für Szene entwickelt, wobei auf ein fertiges Drehbuch verzichtet wurde. Und es wurde von Lynch selbst mit einem tragbaren Sony-Camcorder in digitalem Video mit niedriger Auflösung aufgenommen.
Auf die Frage nach einer Erklärung für Inland Empire antwortete Lynch lediglich, dass es sich um “eine Frau in Schwierigkeiten handelt, und es ist ein Rätsel, und das ist alles, was ich dazu sagen möchte”.
Richard Peña, ein Beamter des New Yorker Filmfestivals, beschrieb den Film als “eine plottenlose Sammlung von Ausschnitten, die sich mit Themen befassen, an denen Lynch seit Jahren arbeitet”, wie “eine Hollywood-Geschichte über eine junge Schauspielerin, die es schafft ein Teil in einem Film zu werden, der verflucht sein könnte; eine Geschichte über den Schmuggel von Frauen aus Osteuropa; und eine abstrakte Geschichte über eine Familie von Menschen mit Kaninchenköpfen, die in einem Wohnzimmer herumsitzen. “ Der Kritiker Peter Bradshaw von The Guardian hat den Film als “eine Meditation über die nicht anerkannte und unbemerkte Fremdartigkeit Hollywoods und des Filmemachens im Allgemeinen” zusammengefasst. Laut Slates ist Dennis Lim Inland Empire “ein dreistündiger Wachalptraum, der sich sowohl in seiner Form als auch in seinem Inhalt aus der zersplitterten Psyche einer in Schwierigkeiten geratenen Hollywood-Schauspielerin ergibt”. Lim verglich Lynchs Nutzung digitaler Videos mit der Art und Weise, wie virale Videos, Heimvideos und Pornografie erstellt werden. Andere Kritiker bemerkten, dass der Film der Hyperlink-Anordnung von Bildschirmen einer Website ähnelt und „ständig neue Welten aus neuen Blickwinkeln enthüllt“.
Der Film brachte Lynch einen Preis der National Society of Film Critics für den besten experimentellen Film sowie den Future Film Festival Digital Award in Venedig ein. Darüber hinaus wurde Laura Dern für den Preis der National Society of Film Critics und den Preis der Toronto Film Critics Association in der Kategorie Beste Schauspielerin nominiert. Inland Empire wurde mit dem New York Film Critics Online Award als bester Film nominiert.